Paris'teki Louis Vuitton Vakfı'nın yüksek uçuş odalarının içinde ve dışında, her şey çiçek açıyor. “Baharı iptal edemeyeceğinizi unutmayın,” diyor müzenin girişinin üstünde pembe bir neon işareti – İngiliz sanatçı David Hockney'in koronavirüs pandemi sırasında arkadaşlarına gönderdiği umutlu bir cümle.
Vakfın sergisi olan “David Hockney 25”, şimdiye kadarki en büyük ressam. Başlığı son 25 yıllık çalışmalarına odaklanırken, tüm kariyerine genel bir bakış gibi geliyor. Bu, tutkulu merak, insan durumuna dikkat ve doğal dünyanın huşu ile yaşayan bir sanattaki hayatın kaydıdır.
Hockney, 1937'de Bradford'da kuzey İngiltere'de bir sanayi şehri doğdu. Genç yaşta resim yapmaya başladı ve 1955'ten itibaren babasının bir portresi ile yerlileri etkiledi. Buharda pişirilmiş tonlarda yakından oluşturulan ve boyanmış olan küçük tuval, vinçini tanımlayan devasa, kaba kolonlu eserlerden çok uzak. Fakat babasının dikkatli ifadesinde, sıkı ellerinde ve enerjik tutumunda yakalanan zorlu bir insanlıkla hareket eder.
Bu çalışma, ilk iki odası, izleyiciyi hızlı ve açık bir şekilde taburelerden ressam olarak yöneten sergiyi açıyor. 1950'lerin sonlarında ve 1960'ların başında Londra'da yaptığı çalışmalar stilleri ve estetiği özveri ile karıştırıyor. Pop savaştan sonra Avrupalılarla karışıyor “Sanat bilgileri”; Graffiti ve kolaj başıboş, evliliğin gerçeküstü eleştirisinde.
Büyük Britanya'da eşcinsellik olsa bile, yasadışı (1967'de erkekler için 21 yaşın üzerindeydi), Hockney erkekler arasında ilişkiler boyadı. “Berlin: Bir Hediyelik Eşya” (1962), Siluette, Sarılma – Birleştirme ve Formlar olarak belirsiz olan erkek figürlerinin hedonistik bir soyutlamasını gösterir. “Duşta İki Adam” (1963) ve “Yukarıdaki Çocuk Abe” (1964) (1964) deneklerini samimi anlarda, izlenimci et tonlarında duygular veya isteklerle renklendirilmiş gibi işlenen çıplak bedenlerde gösteriyor.
1964'ten 1998'e kadar Los Angeles'ta yaşadığında, Hockney en iyi bilinen portrelerinden bazılarını üretti: romantik çiftler, erotik iç mekanlar ve yumuşak Kaliforniya ışığında yıkanan açıklık boyalı dış mekan sahneleri. 1968'de bir resim olan “Christopher Isherwood ve Don Bachardy”, yazar Isherwood ve eşini uygun koltuklarda gösteriyor. Bachardy'nin kafası, Isherwood ile birlikte, gevşek boyalı figürleri ayrıntılı bir ortamla karıştıran Isherwood'a doğru nefes kesen bir sakin sahnede karşı karşıya.
“Daha Büyük Bir Sıçrama” (1967) aynı baştan çıkarıcı düzlük ve Los Angeles serisine sahiptir, ancak burada figür kayboldu ve sadece balmumunu görüyoruz. Mavi bir havuzun aksi takdirde sessiz yüzeyinden büyük bir su spreyi yükselir. Sadece saniyeler önce kimin düştüğünü asla göremeyiz.
Hockney'in çalışmalarının özü, hayatın canlandırıcı gücünü – arkadaşların ve akrabaların yüzlerinde veya çiçekli bir ağaçta, değişen mevsim veya gece gökyüzünde yakalama girişimidir. Yüzyılın başından kısa bir süre önce Hockney, büyüdüğü Yorkshire County'ye geri döndü. On yıldan biraz daha fazla kaldı ve çocukluğunun tanıdık, tükenmez manzarasını dönüştürdü. Bu resimlerde, tepe makaraları, sokaklar, ağaç ölçekleri ve filiz yaprakları, tarlalar altın ve Rus patchwork, ışık mor ve fuşya sağ tarafındaki yoğun ormanları aydınlatır.
Çiçekteki alıç ağaçlarının bir dizi tablosu, yoğun, kükreyen kitlelere akan ve yolun kenarında akın eden çiçekleri gösterir. “Rudston yakınındaki Hawthorn Blossom” için bir duvar metni (2008), Hockney'in “Aksiyon Haftası” olarak adlandırdığı bir anda öngörülemez olan Hawthorn'un yıllık Bloom'una olan takıntısını anlatıyor. Her yıl ortaya çıktığında, o zamanlar nerede olursa olsun, sanatçı köpüğü boyamak için Yorkshire ve zengin beyaz çiçeğe dönmek için her şeyi düşürdü, Hockney'in “şampanyanın her şeye döküldüğünü” söyledi.
İngiliz ortamlarına, “düşmüş ağaçlar”, “Warter yakınında daha büyük ağaçlar” (hem 2008) hem de “2 numaralı (Baharın Gelişi) (2011) gibi renk tonlarına ve sarma eserlerine rağmen, Vincent van Gogh'un post -impresyonizm veya Maurice Denis'in sembolizmini hatırlıyorlar. Hockney gibi her iki sanatçı da doğanın sonsuz ilham aldığına ve her görüşün dünyanın tamamını içerdiğine inanıyordu: sadece bakmanız gerekiyor.
Bir salon tarzı asılı portreleri olan bir oda, insan figürünü ikna edici olarak sunar. Duvarlar, vahşi farklı stillerle boyanmış yüzler ve şekiller, vinç aralığı ve hassasiyeti için bir irade ile cesaret eder. “Charlie Scheips” de (2005) bir Amerikan küratörü olan konu, bir duvara doğru eğilir, vücudunun çizgileri gerçekçi bir Alice Neel kalitesiyle şiddetle boyar. “Margaret Hockney, 14 Şubat 2013,” Hockney'in kömürde özenle özetlenen kız kardeşini gösteriyor. Sanatçının kendisi bize “Self Portre, 20 Haziran 2022” den bakıyor, bu da genellikle çarpıcı kıyafetler ve giyinmiş ve giyinmiş, yüzünde çarpık bir gülümseme, “Hala buradayım.”
Hockney'in Yüzeyler ve Ayrıntılar için cömert dikkati, serginin birçok “iPad resmine”, kağıt üzerine basılmış bilgisayar çizimlerine ve biraz iltihaplı garip bir şekilde tasarlanmış 3-B çizimlerine geçişini çekiyor.
“Normandiya'da Dört Yıl” başlıklı 220 iPad çalışması koleksiyonu (2019-23) en ikna edici olanıdır: değişen görüntülere sahip büyük ve küçük basınç ve ekranlara sahip bir oda, pandemi kör edici yılların huzursuzluğunu kullanın ve Hockney'i büyük hızda ve havada çalışan gösteriyor. 2012'den 15'lik 15 kendi portresi ızgarası, bunun da acımasızca akıcı olduğunu hatırlatıyor.
Gösterinin diğer bölümlerinde, Hockney'in teknoloji kullanımı en iyi veya en kötü durumda tembel görünüyor, çünkü sadece çalışmalarının çoğu dikkate alındığında ve zarif.
2018'den itibaren üçlü inanılmaz “fotoğraf çizimleri” Photoshop'ta etkilidir. Herkes oturan veya ayakta duran, bazen konuşmada, bazen kaybolan insanlarla büyük bir oda gösterir. Her figürü modellemek için teknolojik süreç, bir duvar metninde, bizi daha yakından gözlemlemeye zorluyor: “Geleneksel fotoğrafçılığın aksine”. Birkaç kamera ile sokak yapraklarının bir videosu için başka bir metin, çalışmayı Dürer'in botanik çalışmaları ile karşılaştırıyor. Belki. Ya da belki değil.
Ancak bu foraylara ek olarak, Hockney hala boyuyor ve neyse ki uygulanıyor. Sergi, her ikisi de dünyadaki aşkın vizyonları boyayan Edvard Munch ve William Blake'ten esinlenen bir dizi yeni eserle sona eriyor. “Tek parça halinde oynayın ve sigara ile ben” (2025) Londra bahçesinde Hockney'i gösteriyor. Önümüzde gördüğümüz resmin bir versiyonunda çok çalışıyor. Ağaçlar hala kel olmasına rağmen, nergisler solunda çiçek açar. Bahar olmalı.
David Hockney 25
31 Ağustos'a kadar Paris'teki Louis Vuitton Vakfı'nda; Fondationlouisvuitton.fr.
Vakfın sergisi olan “David Hockney 25”, şimdiye kadarki en büyük ressam. Başlığı son 25 yıllık çalışmalarına odaklanırken, tüm kariyerine genel bir bakış gibi geliyor. Bu, tutkulu merak, insan durumuna dikkat ve doğal dünyanın huşu ile yaşayan bir sanattaki hayatın kaydıdır.
Hockney, 1937'de Bradford'da kuzey İngiltere'de bir sanayi şehri doğdu. Genç yaşta resim yapmaya başladı ve 1955'ten itibaren babasının bir portresi ile yerlileri etkiledi. Buharda pişirilmiş tonlarda yakından oluşturulan ve boyanmış olan küçük tuval, vinçini tanımlayan devasa, kaba kolonlu eserlerden çok uzak. Fakat babasının dikkatli ifadesinde, sıkı ellerinde ve enerjik tutumunda yakalanan zorlu bir insanlıkla hareket eder.
Bu çalışma, ilk iki odası, izleyiciyi hızlı ve açık bir şekilde taburelerden ressam olarak yöneten sergiyi açıyor. 1950'lerin sonlarında ve 1960'ların başında Londra'da yaptığı çalışmalar stilleri ve estetiği özveri ile karıştırıyor. Pop savaştan sonra Avrupalılarla karışıyor “Sanat bilgileri”; Graffiti ve kolaj başıboş, evliliğin gerçeküstü eleştirisinde.
Büyük Britanya'da eşcinsellik olsa bile, yasadışı (1967'de erkekler için 21 yaşın üzerindeydi), Hockney erkekler arasında ilişkiler boyadı. “Berlin: Bir Hediyelik Eşya” (1962), Siluette, Sarılma – Birleştirme ve Formlar olarak belirsiz olan erkek figürlerinin hedonistik bir soyutlamasını gösterir. “Duşta İki Adam” (1963) ve “Yukarıdaki Çocuk Abe” (1964) (1964) deneklerini samimi anlarda, izlenimci et tonlarında duygular veya isteklerle renklendirilmiş gibi işlenen çıplak bedenlerde gösteriyor.
1964'ten 1998'e kadar Los Angeles'ta yaşadığında, Hockney en iyi bilinen portrelerinden bazılarını üretti: romantik çiftler, erotik iç mekanlar ve yumuşak Kaliforniya ışığında yıkanan açıklık boyalı dış mekan sahneleri. 1968'de bir resim olan “Christopher Isherwood ve Don Bachardy”, yazar Isherwood ve eşini uygun koltuklarda gösteriyor. Bachardy'nin kafası, Isherwood ile birlikte, gevşek boyalı figürleri ayrıntılı bir ortamla karıştıran Isherwood'a doğru nefes kesen bir sakin sahnede karşı karşıya.
“Daha Büyük Bir Sıçrama” (1967) aynı baştan çıkarıcı düzlük ve Los Angeles serisine sahiptir, ancak burada figür kayboldu ve sadece balmumunu görüyoruz. Mavi bir havuzun aksi takdirde sessiz yüzeyinden büyük bir su spreyi yükselir. Sadece saniyeler önce kimin düştüğünü asla göremeyiz.
Hockney'in çalışmalarının özü, hayatın canlandırıcı gücünü – arkadaşların ve akrabaların yüzlerinde veya çiçekli bir ağaçta, değişen mevsim veya gece gökyüzünde yakalama girişimidir. Yüzyılın başından kısa bir süre önce Hockney, büyüdüğü Yorkshire County'ye geri döndü. On yıldan biraz daha fazla kaldı ve çocukluğunun tanıdık, tükenmez manzarasını dönüştürdü. Bu resimlerde, tepe makaraları, sokaklar, ağaç ölçekleri ve filiz yaprakları, tarlalar altın ve Rus patchwork, ışık mor ve fuşya sağ tarafındaki yoğun ormanları aydınlatır.
Çiçekteki alıç ağaçlarının bir dizi tablosu, yoğun, kükreyen kitlelere akan ve yolun kenarında akın eden çiçekleri gösterir. “Rudston yakınındaki Hawthorn Blossom” için bir duvar metni (2008), Hockney'in “Aksiyon Haftası” olarak adlandırdığı bir anda öngörülemez olan Hawthorn'un yıllık Bloom'una olan takıntısını anlatıyor. Her yıl ortaya çıktığında, o zamanlar nerede olursa olsun, sanatçı köpüğü boyamak için Yorkshire ve zengin beyaz çiçeğe dönmek için her şeyi düşürdü, Hockney'in “şampanyanın her şeye döküldüğünü” söyledi.
İngiliz ortamlarına, “düşmüş ağaçlar”, “Warter yakınında daha büyük ağaçlar” (hem 2008) hem de “2 numaralı (Baharın Gelişi) (2011) gibi renk tonlarına ve sarma eserlerine rağmen, Vincent van Gogh'un post -impresyonizm veya Maurice Denis'in sembolizmini hatırlıyorlar. Hockney gibi her iki sanatçı da doğanın sonsuz ilham aldığına ve her görüşün dünyanın tamamını içerdiğine inanıyordu: sadece bakmanız gerekiyor.
Bir salon tarzı asılı portreleri olan bir oda, insan figürünü ikna edici olarak sunar. Duvarlar, vahşi farklı stillerle boyanmış yüzler ve şekiller, vinç aralığı ve hassasiyeti için bir irade ile cesaret eder. “Charlie Scheips” de (2005) bir Amerikan küratörü olan konu, bir duvara doğru eğilir, vücudunun çizgileri gerçekçi bir Alice Neel kalitesiyle şiddetle boyar. “Margaret Hockney, 14 Şubat 2013,” Hockney'in kömürde özenle özetlenen kız kardeşini gösteriyor. Sanatçının kendisi bize “Self Portre, 20 Haziran 2022” den bakıyor, bu da genellikle çarpıcı kıyafetler ve giyinmiş ve giyinmiş, yüzünde çarpık bir gülümseme, “Hala buradayım.”
Hockney'in Yüzeyler ve Ayrıntılar için cömert dikkati, serginin birçok “iPad resmine”, kağıt üzerine basılmış bilgisayar çizimlerine ve biraz iltihaplı garip bir şekilde tasarlanmış 3-B çizimlerine geçişini çekiyor.
“Normandiya'da Dört Yıl” başlıklı 220 iPad çalışması koleksiyonu (2019-23) en ikna edici olanıdır: değişen görüntülere sahip büyük ve küçük basınç ve ekranlara sahip bir oda, pandemi kör edici yılların huzursuzluğunu kullanın ve Hockney'i büyük hızda ve havada çalışan gösteriyor. 2012'den 15'lik 15 kendi portresi ızgarası, bunun da acımasızca akıcı olduğunu hatırlatıyor.
Gösterinin diğer bölümlerinde, Hockney'in teknoloji kullanımı en iyi veya en kötü durumda tembel görünüyor, çünkü sadece çalışmalarının çoğu dikkate alındığında ve zarif.
2018'den itibaren üçlü inanılmaz “fotoğraf çizimleri” Photoshop'ta etkilidir. Herkes oturan veya ayakta duran, bazen konuşmada, bazen kaybolan insanlarla büyük bir oda gösterir. Her figürü modellemek için teknolojik süreç, bir duvar metninde, bizi daha yakından gözlemlemeye zorluyor: “Geleneksel fotoğrafçılığın aksine”. Birkaç kamera ile sokak yapraklarının bir videosu için başka bir metin, çalışmayı Dürer'in botanik çalışmaları ile karşılaştırıyor. Belki. Ya da belki değil.
Ancak bu foraylara ek olarak, Hockney hala boyuyor ve neyse ki uygulanıyor. Sergi, her ikisi de dünyadaki aşkın vizyonları boyayan Edvard Munch ve William Blake'ten esinlenen bir dizi yeni eserle sona eriyor. “Tek parça halinde oynayın ve sigara ile ben” (2025) Londra bahçesinde Hockney'i gösteriyor. Önümüzde gördüğümüz resmin bir versiyonunda çok çalışıyor. Ağaçlar hala kel olmasına rağmen, nergisler solunda çiçek açar. Bahar olmalı.
David Hockney 25
31 Ağustos'a kadar Paris'teki Louis Vuitton Vakfı'nda; Fondationlouisvuitton.fr.