Avrupa modern kültürünün en etkili figürlerinden biri Avrupa’ya asla ayak basmadı. Katsushika Hokusai, kendi kendine tecrit edilmiş Edo-Japonya’daki tüm denekler gibi, isteseydi takımadaları terk edemezdi ve yayıncıları onun kabuki aktörleri, çiçekler ve Fuji Dağı baskılarını ihraç edemezdi. Bununla birlikte, 1849’daki ölümünden birkaç yıl sonra, Amiral Matthew Perry’nin “kara gemileri” şu anda Tokyo Körfezi olarak bilinen yere yelken açtığında, Japonya pazarları zorla açıldı ve Hokusai’nin kütükleri okyanusta dalgalanmaya başladı. Fransa’da, Britanya’da ve yakında Amerika’da yepyeni bir sanat türü ortaya çıkacaktı: Tokyo’da doğup tüm dünyaya yayılacaktı.
İçinde “Hokusai: İlham ve Etki” Boston Güzel Sanatlar Müzesi’ndeki Japon tahta baskıları ve küresel çağdaş sanatın sergilendiği bir sergide, tüm zamanların en büyük baskı sanatçılarından biri, sanatın daha şehirli ve geçici hale geldiği ve gözlemlenen dünyanın küresel bir kültürel değişimin merkezinde yer alıyor. işaretler ve semboller halinde yassılaştırılır. Alternatif olarak güzel ve kabarık (ama geziye değer), MFA’nın benzersiz Japon sanatı koleksiyonunu özgürce kullanıyor. (Aslında, Dışişleri Bakanlığı ilk Amerikan Hokusai retrospektifini 1892 gibi erken bir tarihte düzenledi.)
Burada Hokusai’nin 100’den fazla baskısını, tablosunu ve tablosunu görebilirsiniz. manga – Hokusai’nin 15 çok satan ciltte yayınladığı, yıkananların ve fahişelerin yanı sıra kuşların ve hayvanların kelimenin tam anlamıyla “ilginç eskizleri”. En ünlü serisinden, Fuji Dağı’nın Otuz Altı Manzarası’ndan 11 buz gibi çarşaf var ve bu iki ikonik kahve kupası da dahil: “Güzel rüzgar, açık hava“, yüce dağı damıtarak kil kırmızısı bir külah haline getiriyor ve “Kanagawa’daki Dalganın Altında‘Büyük Dalga’ olarak bilinen, karla kaplı Fuji Dağı dokunaç benzeri mavi bir sörfün altında neredeyse kaybolduğunda.
Başlıktan da anlaşılacağı gibi İlham ve Etki iki bölümden oluşuyor. 18. ve 19. yüzyıl Japonya’sında geçen ilk bölüm, Hokusai’nin eğitimini, çıraklığını, bağımsız kariyerini ve “Pictures of the Floating World” adlı baskıların genç yapımcılarından aldığı eğitimi anlatıyor. Bu ilk galerileri usta hocasıyla paylaşır, Katsukawa Shunsho; onun en büyük rakibi Utagawa Hiroşige; yetenekli kızı da dahil olmak üzere birçok kadın sanatçının yanı sıra, Katsushika Oi, tamamı kadınlardan oluşan bir müzik üçlüsünün güzel bir parşömen resmiyle temsil ediliyor.
Ardından, Hokusai’nin canlı bestelerinin ve burjuva temalarının dünya çapındaki göçünü ve metabolizasyonunu vurgulamak için kronolojiyi, medyayı ve sesi atlayarak daha küresel bir ikinci yarı gelir. Gauguin ve Whistler’ın baskıları, Hokusai’nin bloklu renklerini ve düz yüzeylerini yansıtır. Steuben Glass Works veya kuyumcu Boucheron’un Japon taklit dekoratif sanatlarının yanı sıra Debussy’nin yayınlanmış müziğinin kapağında Hokusai’nin dalgası olan La Mer’den alıntılar var. Daha büyük veya (çoğunlukla) daha az önemli ve incelikli yeni sanat, çağdaş manga ile ilgilidir.
Hokusai’nin kendisi ticari alanda çalıştı (Batı’nın güzel ve popüler sanat arasındaki ayrımı Edo döneminde çok net değildi), bu nedenle bu serginin resimden çizgi romana kadar uzanıyor olması son derece mantıklı. Artık popüler kültüre o kadar derinden gömüldü ki, kendi emojisine sahip tek sanatçı: mavi dalga [
]yarı boğulmuş balıkçılar olmadan orijinal gravürde.
Ancak buradaki çağdaş çalışmaların çoğu kitschy veya şematik ve niceliğin nitelikten daha önemli olması nedeniyle, gösterinin ikinci yarısı biraz … üzerinize akan bir sel gibi geliyor. Dışişleri Bakanlığı’nın Hokusai’nin dalgasına ilişkin en iyi izlenimi, burada düşünceli bir izolasyonda değil, taklitler, parodiler ve haraç eylemleri arasında sıkışıp kalmış görünüyor. Andy Warhol ve Yoshitomo Nara’nın “Büyük Dalga” kopyalarını buluyoruz; bazı Meksika dalga biçimli bilezikler ve bazı trompe l’oeil tarzı sörfçü mobilyaları; ve hatta mavi-beyaz bir kostüm içinde sallanan ve sağ kolunu Kanagawa sörfü gibi büken ince artistik patinajcı Olimpiyat şampiyonu Yuzuru Hanyu’nun tanıtım resmi. Roy Lichtenstein’ın Modern Sanat Müzesi’nden ödünç alınan ve gümüşi dalgaların altında kaybolan mavi saçlı bir kadını tasvir eden Boğulan Kız, Hokusai’nin mavi ve beyaz Lego tuğlalarından yapılmış büyük kahunasının bir kopyasıyla beceriksizce yan yana konmuştur.
Hokusai, 1760 yılında, Japonya uzun bir depresyondan çıkıp refaha kavuştuğunda doğdu. Shogun’a ayna yapımcısı olarak hizmet eden amcası tarafından evlat edinildi ve 19 yaşında oyuncu ve kadın tasvirinde uzmanlaşmış Shunsho’nun stüdyosuna girdi. Bir usta ve bir öğrencinin yan yana iki parşömen resminin düzgün bir tasvirinde, Shunsho’nun bir dansçının hareketlerini damıttığını görüyoruz. Çiçek desenli dalgalarve Hokusai daha sonra aynı çizgileri bir demetlenmiş kumaş için kullandı. Kadın yakacak odun taşır. Resmin aristokratik ve manevi boyutları yerini daha modaya uygun, daha sıradan. Sahne, sokak, hamam, genelev: Japon manzarası gibi onlar da Hokusai’nin ilham kaynağı ve takıntısı olacaktı.
En önemlisi, zevk sahneleri, “kapalı Japonya”nın sözde kusursuz güzelliğini putlaştıran Batılıların daha sonra kabul edeceğinden daha kozmopolitti. Hokusai, öğrencileri ve rakipleri, bazen Nagasaki’deki ticaret karakolları aracılığıyla ithal edilen (veya kaçırılan) yabancı pigmentleri kullanarak dünyayı renk ve çizgide düzeltmek için Çin ve Hollanda soyunu kullandılar.
Bu şov iki harika şov içeriyor altı parçalı ekranlar Shunsho’nun 1790 civarında yaptığı, iyi giyimli kadınlar aynı ölçekteki paralel çapraz çizgiler boyunca uzanırlar. sözde aksonometrik perspektif, Çin resminin bir ayağı. Hemen yanında asılı Hokusai’nin 20 yıl sonra yarattığı ayrıntılı bir baskı serisidir. Edo’da bir zevkler evini gösteriyor – ama şimdi öndeki bayanlar arkadaki bayanlardan daha büyük çiziliyor.
Avrupa Rönesansı için çok devrimci olan tek noktalı perspektif, Japon sanatçılara daha 1740’larda aşinaydı ve fazla etkilenmediler. Eğer bazıları, özellikle grafik sanatçısı Utagawa Toyoharu, Avrupa teknolojisini akıllıca kullanmalarına rağmen, çoğu bunu bir parti hilesinden biraz daha fazlası olarak gördü. En azından Hokusai başlayana kadar öyleydi. entegre Modern dünyanın yeni, melez bir görüntüsünü yaratmak için Asya ve Avrupa mekansal sınır belirleme yöntemleri. Hokusai’deki mutlak favorim, “Fuji Dağı’nın Otuz Altı Görünümü”nden biridir (ve bilginiz olsun, bir sonraki sanat tarihi pub sınavınız için aslında 46 görünüm var: yayıncısı bazı devam filmleri istedi). Dolambaçlı bir yoldan ani bir zafer yürüyüşünün dikkati dağılan gezginlerD. Sağdaki figürler çapraz olarak Çin tarzında dizilmiştir, soldaki figürler Avrupa tarzında küçülür ve yukarı doğru çekilir. Ülkenin en görkemli yeri olan Fuji’ye gelince, bu üç hızlı vuruştan başka bir şey değil: bir fırlama, tepeye bir sallanma, yere uzun bir süzülme.
Hokusai’nin zamanında Avrupalılar dekoratif sanatlar yaratırken Çin, İran ve Hint modellerinden yararlanmışlardı. Ancak Japon baskıları, ölümünden sonra nihayet Batı Avrupa’da dolaşmaya başladığında – özellikle 1870’lerde savaşta yenilen ve tüm gücüyle bir metropole dönüşen Paris’te – hem estetik mücevherler hem de ruhani cankurtaran salları olarak ortaya çıktılar. Hokusai ve rakiplerinde, köklerini yitirmiş genç Parisliler, eskimiş resimsel sözlüklerden kurtuluş buldular ve moda olarak adlandırılan Japonisme, resim salonundan yemek masasına kadar uzanıyordu. Fuji stili hokkalar. Lotus çiçekleriyle süslenmiş kadife perdeler. Mangadan kopyalanmış balık ve kümes hayvanları içeren transfer yazılımı. Günlük tutan Edmond de Goncourt, “Japonizm, Avrupa halklarının vizyonunda devrim yaratıyordu” diye yazmıştı. Çanak çömlek, cila ve her şeyden önce gravürler “Avrupa’ya yeni bir renk duygusu, yeni bir dekorasyon sistemi ve dilerseniz şiirsel bir hayal gücü getirdi.”
Bu sanatçıların, bestecilerin ve tasarımcıların Japon kültürüne hiçbir bilimsel ilgi duymadıklarını söylemeye gerek yok, Japon matbaacıların “egzotik” Batı’yı tasvir ederken yaptıklarından daha fazla değil. Ama Fransızların Japon modası, üretimin üretkenliğinin en zengin örneklerinden birini sunuyor. yanlış anlama Stranger Things – özellikle daha sonra Empresyonist ve Post-Empresyonist olan, yumuşak renkleri, düz yüzeyleri ve gölgeleme ihmali Japon ataları olmadan asla gerçekleşemeyecek olan sanatçılar için. Bu sadece resimsel gramer değildi; Aynı zamanda Hokusai’nin orta sınıf duyarlılığı, tiyatroya, modaya ve gecenin kadınlarına olan ilgisiydi. Şehir yaşamına olan bu düşkünlük, Monet, Degas ve meslektaşlarını, modern Fransız yaşamına dair bakışlarının güzel sanatlar olabileceğine ikna etti. Ve Japon inceliği veya saflığı klişelerine düşkün olsalar da -Edward Said’in Şarkiyatçılık dediği “arzular, baskılar, yatırımlar ve yansıtmalar silsilesine” düştüklerinde- bu Avrupalılar yine de Japonya tarafından geri dönülmez bir şekilde dönüştürüldü.
MFA şovu, ikinci yarıda Hokusai’nin örneğinin 20. yüzyılda dünyaya nasıl yayıldığını doğru bir şekilde tasvir edemeyecek kadar karışık. Özellikle çağdaş seçim, bir arama motoru tarafından derlenmiş izlenimi veriyor ve Lego ‘Büyük Dalga’ hediyelik eşya dükkanında kalmış olmalıydı. Gerçekten dilediğim şey, tüm bu gerçek dalgalar ve dağlar yerine, Japonizm’i karakterize eden eklektizm ve ayrıca Guggenheim The Third Mind: American Artists Contemplate Asia sergisindeki Asya ile Batı arasındaki alışverişti. 2009 yeniden canlandı, 1860– 1989.” Avrupalı sanatçıların Japonya’yı kötüye kullanmalarını kendi yabancılaşmış otoportrelerine dahil eden Yasumasa Morimura’nın sanatı dikkate değer bir hatadır.
Gerçekten yardımcı olurdu – çünkü birkaç yıl önce Amerika, bir yerdeki sanatçıların başka bir yerdeki görüntüleri ve nesneleri nasıl tasvir etmeleri veya tasvir etmemeleri gerektiği konusunda acı verici derecede basit bir tartışmaya girdi. Kimin hangi görüntülere, hangi malzemelere, hangi şekillere, hangi kelimelere sahip olduğuna karar vermek için “yaşanmış deneyim” ve “güç dengesizliği” gibi yeni parolalar ortaya çıktı. (MFA bu sürülere çarptı; 2015’te protestolar ve karşı protestolar ziyaretçileri Monet’nin Japon portresinin önünde kimono denemeye davet ettiği için.) Ama Hokusai ve haleflerinin iddia etmeye devam ettiği şey şu: öyle bir şey yok diğerlerinden ayrılabilen saf “kültür” olarak – tebaası ölüm acısıyla ayrılamayan bir şogunluğun kültürü bile değil. Kültür her zaman, hem şiddetli hem de barışçıl karşılaşmaların, parçalanma ve yeniden birleştirmenin bir gelgitidir. Ayrı kalamazsınız; her şey yüzer; Senin işin dalgayı sürmek.
Hokusai: İlham ve Etki
16 Temmuz’a kadar Museum of Fine Arts, Boston, 465 Huntington Avenue, Boston; 617-267-9300; mfa.org.
İçinde “Hokusai: İlham ve Etki” Boston Güzel Sanatlar Müzesi’ndeki Japon tahta baskıları ve küresel çağdaş sanatın sergilendiği bir sergide, tüm zamanların en büyük baskı sanatçılarından biri, sanatın daha şehirli ve geçici hale geldiği ve gözlemlenen dünyanın küresel bir kültürel değişimin merkezinde yer alıyor. işaretler ve semboller halinde yassılaştırılır. Alternatif olarak güzel ve kabarık (ama geziye değer), MFA’nın benzersiz Japon sanatı koleksiyonunu özgürce kullanıyor. (Aslında, Dışişleri Bakanlığı ilk Amerikan Hokusai retrospektifini 1892 gibi erken bir tarihte düzenledi.)
Burada Hokusai’nin 100’den fazla baskısını, tablosunu ve tablosunu görebilirsiniz. manga – Hokusai’nin 15 çok satan ciltte yayınladığı, yıkananların ve fahişelerin yanı sıra kuşların ve hayvanların kelimenin tam anlamıyla “ilginç eskizleri”. En ünlü serisinden, Fuji Dağı’nın Otuz Altı Manzarası’ndan 11 buz gibi çarşaf var ve bu iki ikonik kahve kupası da dahil: “Güzel rüzgar, açık hava“, yüce dağı damıtarak kil kırmızısı bir külah haline getiriyor ve “Kanagawa’daki Dalganın Altında‘Büyük Dalga’ olarak bilinen, karla kaplı Fuji Dağı dokunaç benzeri mavi bir sörfün altında neredeyse kaybolduğunda.
Başlıktan da anlaşılacağı gibi İlham ve Etki iki bölümden oluşuyor. 18. ve 19. yüzyıl Japonya’sında geçen ilk bölüm, Hokusai’nin eğitimini, çıraklığını, bağımsız kariyerini ve “Pictures of the Floating World” adlı baskıların genç yapımcılarından aldığı eğitimi anlatıyor. Bu ilk galerileri usta hocasıyla paylaşır, Katsukawa Shunsho; onun en büyük rakibi Utagawa Hiroşige; yetenekli kızı da dahil olmak üzere birçok kadın sanatçının yanı sıra, Katsushika Oi, tamamı kadınlardan oluşan bir müzik üçlüsünün güzel bir parşömen resmiyle temsil ediliyor.
Ardından, Hokusai’nin canlı bestelerinin ve burjuva temalarının dünya çapındaki göçünü ve metabolizasyonunu vurgulamak için kronolojiyi, medyayı ve sesi atlayarak daha küresel bir ikinci yarı gelir. Gauguin ve Whistler’ın baskıları, Hokusai’nin bloklu renklerini ve düz yüzeylerini yansıtır. Steuben Glass Works veya kuyumcu Boucheron’un Japon taklit dekoratif sanatlarının yanı sıra Debussy’nin yayınlanmış müziğinin kapağında Hokusai’nin dalgası olan La Mer’den alıntılar var. Daha büyük veya (çoğunlukla) daha az önemli ve incelikli yeni sanat, çağdaş manga ile ilgilidir.
Hokusai’nin kendisi ticari alanda çalıştı (Batı’nın güzel ve popüler sanat arasındaki ayrımı Edo döneminde çok net değildi), bu nedenle bu serginin resimden çizgi romana kadar uzanıyor olması son derece mantıklı. Artık popüler kültüre o kadar derinden gömüldü ki, kendi emojisine sahip tek sanatçı: mavi dalga [
Ancak buradaki çağdaş çalışmaların çoğu kitschy veya şematik ve niceliğin nitelikten daha önemli olması nedeniyle, gösterinin ikinci yarısı biraz … üzerinize akan bir sel gibi geliyor. Dışişleri Bakanlığı’nın Hokusai’nin dalgasına ilişkin en iyi izlenimi, burada düşünceli bir izolasyonda değil, taklitler, parodiler ve haraç eylemleri arasında sıkışıp kalmış görünüyor. Andy Warhol ve Yoshitomo Nara’nın “Büyük Dalga” kopyalarını buluyoruz; bazı Meksika dalga biçimli bilezikler ve bazı trompe l’oeil tarzı sörfçü mobilyaları; ve hatta mavi-beyaz bir kostüm içinde sallanan ve sağ kolunu Kanagawa sörfü gibi büken ince artistik patinajcı Olimpiyat şampiyonu Yuzuru Hanyu’nun tanıtım resmi. Roy Lichtenstein’ın Modern Sanat Müzesi’nden ödünç alınan ve gümüşi dalgaların altında kaybolan mavi saçlı bir kadını tasvir eden Boğulan Kız, Hokusai’nin mavi ve beyaz Lego tuğlalarından yapılmış büyük kahunasının bir kopyasıyla beceriksizce yan yana konmuştur.
Hokusai, 1760 yılında, Japonya uzun bir depresyondan çıkıp refaha kavuştuğunda doğdu. Shogun’a ayna yapımcısı olarak hizmet eden amcası tarafından evlat edinildi ve 19 yaşında oyuncu ve kadın tasvirinde uzmanlaşmış Shunsho’nun stüdyosuna girdi. Bir usta ve bir öğrencinin yan yana iki parşömen resminin düzgün bir tasvirinde, Shunsho’nun bir dansçının hareketlerini damıttığını görüyoruz. Çiçek desenli dalgalarve Hokusai daha sonra aynı çizgileri bir demetlenmiş kumaş için kullandı. Kadın yakacak odun taşır. Resmin aristokratik ve manevi boyutları yerini daha modaya uygun, daha sıradan. Sahne, sokak, hamam, genelev: Japon manzarası gibi onlar da Hokusai’nin ilham kaynağı ve takıntısı olacaktı.
En önemlisi, zevk sahneleri, “kapalı Japonya”nın sözde kusursuz güzelliğini putlaştıran Batılıların daha sonra kabul edeceğinden daha kozmopolitti. Hokusai, öğrencileri ve rakipleri, bazen Nagasaki’deki ticaret karakolları aracılığıyla ithal edilen (veya kaçırılan) yabancı pigmentleri kullanarak dünyayı renk ve çizgide düzeltmek için Çin ve Hollanda soyunu kullandılar.
Bu şov iki harika şov içeriyor altı parçalı ekranlar Shunsho’nun 1790 civarında yaptığı, iyi giyimli kadınlar aynı ölçekteki paralel çapraz çizgiler boyunca uzanırlar. sözde aksonometrik perspektif, Çin resminin bir ayağı. Hemen yanında asılı Hokusai’nin 20 yıl sonra yarattığı ayrıntılı bir baskı serisidir. Edo’da bir zevkler evini gösteriyor – ama şimdi öndeki bayanlar arkadaki bayanlardan daha büyük çiziliyor.
Avrupa Rönesansı için çok devrimci olan tek noktalı perspektif, Japon sanatçılara daha 1740’larda aşinaydı ve fazla etkilenmediler. Eğer bazıları, özellikle grafik sanatçısı Utagawa Toyoharu, Avrupa teknolojisini akıllıca kullanmalarına rağmen, çoğu bunu bir parti hilesinden biraz daha fazlası olarak gördü. En azından Hokusai başlayana kadar öyleydi. entegre Modern dünyanın yeni, melez bir görüntüsünü yaratmak için Asya ve Avrupa mekansal sınır belirleme yöntemleri. Hokusai’deki mutlak favorim, “Fuji Dağı’nın Otuz Altı Görünümü”nden biridir (ve bilginiz olsun, bir sonraki sanat tarihi pub sınavınız için aslında 46 görünüm var: yayıncısı bazı devam filmleri istedi). Dolambaçlı bir yoldan ani bir zafer yürüyüşünün dikkati dağılan gezginlerD. Sağdaki figürler çapraz olarak Çin tarzında dizilmiştir, soldaki figürler Avrupa tarzında küçülür ve yukarı doğru çekilir. Ülkenin en görkemli yeri olan Fuji’ye gelince, bu üç hızlı vuruştan başka bir şey değil: bir fırlama, tepeye bir sallanma, yere uzun bir süzülme.
Hokusai’nin zamanında Avrupalılar dekoratif sanatlar yaratırken Çin, İran ve Hint modellerinden yararlanmışlardı. Ancak Japon baskıları, ölümünden sonra nihayet Batı Avrupa’da dolaşmaya başladığında – özellikle 1870’lerde savaşta yenilen ve tüm gücüyle bir metropole dönüşen Paris’te – hem estetik mücevherler hem de ruhani cankurtaran salları olarak ortaya çıktılar. Hokusai ve rakiplerinde, köklerini yitirmiş genç Parisliler, eskimiş resimsel sözlüklerden kurtuluş buldular ve moda olarak adlandırılan Japonisme, resim salonundan yemek masasına kadar uzanıyordu. Fuji stili hokkalar. Lotus çiçekleriyle süslenmiş kadife perdeler. Mangadan kopyalanmış balık ve kümes hayvanları içeren transfer yazılımı. Günlük tutan Edmond de Goncourt, “Japonizm, Avrupa halklarının vizyonunda devrim yaratıyordu” diye yazmıştı. Çanak çömlek, cila ve her şeyden önce gravürler “Avrupa’ya yeni bir renk duygusu, yeni bir dekorasyon sistemi ve dilerseniz şiirsel bir hayal gücü getirdi.”
Bu sanatçıların, bestecilerin ve tasarımcıların Japon kültürüne hiçbir bilimsel ilgi duymadıklarını söylemeye gerek yok, Japon matbaacıların “egzotik” Batı’yı tasvir ederken yaptıklarından daha fazla değil. Ama Fransızların Japon modası, üretimin üretkenliğinin en zengin örneklerinden birini sunuyor. yanlış anlama Stranger Things – özellikle daha sonra Empresyonist ve Post-Empresyonist olan, yumuşak renkleri, düz yüzeyleri ve gölgeleme ihmali Japon ataları olmadan asla gerçekleşemeyecek olan sanatçılar için. Bu sadece resimsel gramer değildi; Aynı zamanda Hokusai’nin orta sınıf duyarlılığı, tiyatroya, modaya ve gecenin kadınlarına olan ilgisiydi. Şehir yaşamına olan bu düşkünlük, Monet, Degas ve meslektaşlarını, modern Fransız yaşamına dair bakışlarının güzel sanatlar olabileceğine ikna etti. Ve Japon inceliği veya saflığı klişelerine düşkün olsalar da -Edward Said’in Şarkiyatçılık dediği “arzular, baskılar, yatırımlar ve yansıtmalar silsilesine” düştüklerinde- bu Avrupalılar yine de Japonya tarafından geri dönülmez bir şekilde dönüştürüldü.
MFA şovu, ikinci yarıda Hokusai’nin örneğinin 20. yüzyılda dünyaya nasıl yayıldığını doğru bir şekilde tasvir edemeyecek kadar karışık. Özellikle çağdaş seçim, bir arama motoru tarafından derlenmiş izlenimi veriyor ve Lego ‘Büyük Dalga’ hediyelik eşya dükkanında kalmış olmalıydı. Gerçekten dilediğim şey, tüm bu gerçek dalgalar ve dağlar yerine, Japonizm’i karakterize eden eklektizm ve ayrıca Guggenheim The Third Mind: American Artists Contemplate Asia sergisindeki Asya ile Batı arasındaki alışverişti. 2009 yeniden canlandı, 1860– 1989.” Avrupalı sanatçıların Japonya’yı kötüye kullanmalarını kendi yabancılaşmış otoportrelerine dahil eden Yasumasa Morimura’nın sanatı dikkate değer bir hatadır.
Gerçekten yardımcı olurdu – çünkü birkaç yıl önce Amerika, bir yerdeki sanatçıların başka bir yerdeki görüntüleri ve nesneleri nasıl tasvir etmeleri veya tasvir etmemeleri gerektiği konusunda acı verici derecede basit bir tartışmaya girdi. Kimin hangi görüntülere, hangi malzemelere, hangi şekillere, hangi kelimelere sahip olduğuna karar vermek için “yaşanmış deneyim” ve “güç dengesizliği” gibi yeni parolalar ortaya çıktı. (MFA bu sürülere çarptı; 2015’te protestolar ve karşı protestolar ziyaretçileri Monet’nin Japon portresinin önünde kimono denemeye davet ettiği için.) Ama Hokusai ve haleflerinin iddia etmeye devam ettiği şey şu: öyle bir şey yok diğerlerinden ayrılabilen saf “kültür” olarak – tebaası ölüm acısıyla ayrılamayan bir şogunluğun kültürü bile değil. Kültür her zaman, hem şiddetli hem de barışçıl karşılaşmaların, parçalanma ve yeniden birleştirmenin bir gelgitidir. Ayrı kalamazsınız; her şey yüzer; Senin işin dalgayı sürmek.
Hokusai: İlham ve Etki
16 Temmuz’a kadar Museum of Fine Arts, Boston, 465 Huntington Avenue, Boston; 617-267-9300; mfa.org.