Gezinti bir eğlencedir. Ancak kıvrımlı kıvrım aynı zamanda tekrarlanan keskin eğrilerden oluşan dekoratif bir desendir; bu da onu Ruth Asawa’nın kariyeri için iyi bir metafor haline getirir.
Modernist bir heykeltıraş olan Asawa, belki de yanlışlıkla, eserinin dinginliğinden ötürü övdü, iç içe geçmiş tel halkalardan zarif asılı formları muhteşem bir şekilde dokudu. Erkenden kutlanan ve daha sonra kibarca göz ardı edilen bu değerler, son on yılda giderek daha görünür hale geldi ve bunun da iyi bir nedeni var. Ancak çıktılarının yalnızca bir kısmını oluşturuyorlar. Katı form ile ince hava arasındaki arayüzü arayan Asawa, kendisini öncelikle çizime adadı ve kağıt üzerindeki çalışmaları müzedeki anlayışlı bir sergide ön plana çıkarıldı. Whitney Müzesi Cumartesi günü.
Kıvrımlı çizgi, grafik çalışmasının başlarında, 1940’ların sonlarına ait, birbirine kenetlenen dalgalardan oluşan kısa pasajların kesilmiş renkli kağıttan oluşturulduğu cazibeli bir kompozisyonda ortaya çıktı. Aynı döneme ait başka bir çizimde, siyah-kırmızı mürekkep ve grafitle, farklı boyutlardaki kıvrımlar, sanki çizgi ve form, pozitif ve negatif form dengesini ustaca tartışıyormuşçasına, metin benzeri sıralar halinde ileri geri hareket ediyor.
Çizim başından beri önemliydi. 1926’da Japon bir ailenin çocuğu olarak dünyaya geldi, Güney Kaliforniya’daki bir kamyon çiftliğinde büyüdü ve altı kardeşi gibi onlarla birlikte pazar için sebze toplayarak çalıştı. Sıkı çalışma ve geleneksel kültür çok önemliydi: Cumartesi günleri çocuklar, Asawa’nın ilk kez kaligrafi çalışmaktan keyif aldığı Japon okuluna gönderiliyorlardı. Çocukluğu, ilk olarak ailenin çoğunun zar zor dönüştürülmüş bir at ahırında (Asawa’nın babası ayrı olarak hapsedildi) ve ardından Arkansas’taki bir kampta barındırıldığı Santa Anita Yarış Pisti’nde savaş zamanı gözaltıyla etkili bir şekilde sona erdi. Zor (ve bazen de berbat) koşullar, yerleşik sıkı çalışma ve dayanıklılık alışkanlıklarını derinleştirdi. Ayrıca uykusuzluk. Görünüşe göre dünyaya karşı uyanık olmak her zaman gerekli olmuştur.
Japon karşıtı önyargı savaştan sağ kurtuldu ve Asawa’nın öğretmenlik derecesini tamamlamak için ihtiyaç duyduğu mesleki deneyimi elde etmesini engelledi. Reddedilişi bir şans eseriydi ve onun yerine eğitimine efsanevi Black Mountain College’da devam etmesine yol açtı; burada en etkili öğretmenleri Josef Albers (kendisi onun toplam on dersini almıştı) ve Buckminster Fuller’dı. Her ikisi de sınıflarında tasarım, geometri ve sanatı karıştırdılar ve her ikisi de Asawa’nın ömür boyu arkadaşı oldular. Albers’in “Sanattan bahsederken eşitlikten bahsediyordu” dediğini hatırladı ve şunları ekledi: “Sayfadaki eşitlikle ilgili görsel konuları ele alabilirsin” ya da “bunu onun hayat hakkında konuşma tarzı olarak yorumlayabilirsin.”
Riskler yüksek olduğunda pratik sıkıydı. Albers, öğrencilerini kağıt, tel ve ip gibi yaygın malzemelerle ilgilenmeye teşvik ederek, estetik eğilimi Asawa’da zaten köklü olan tutumluluk alışkanlıklarıyla birleştirdi. Birçok Buhran dönemi modernistinin ortak özellikleri olan biçimsel kemer sıkma ve pratik tutumluluk, aynı zamanda dünya çapındaki yerli zanaat geleneklerinde de yaygın bir uygulamadır. Her ikisinden de etkilenen Asawa, Meksika’ya ikinci seyahatini Black Mountain’da bir yaz tatili sırasında yaptı ve yerel zanaatkarlardan tel sepet örmeyi öğrendi. Döndükten sonra heykel tekniğine yöneldi.
Asawa, Black Mountain’da tanıştığı mimar kocası Alfred Lanier ile 1940’ların sonlarında San Francisco’ya yerleşti ve tel heykelleri için iç tasarımcıların ve sanat tacirlerinin beğenisini kazandı. 1950’lerin başlarında heykeli New York’ta Peridot Galerisi’nde de sergilendi; burada galerideki meslektaşları arasında Louise Bourgeois ve Constantin Brancusi; Onun belirsiz, totemik çalışmasının Asawa’nınkiyle bir akrabalığı vardı. Ama çizimleriyle ilerlemek için can atıyordu. Sık sık “Tel ile çalışmak çizime olan ilgimden doğdu” diye vurguladı. 1959’da San Francisco’daki de Young Müzesi’nde kendisine bir sergi teklif edildiğinde, yalnızca grafik çalışmalarına odaklanmasını istedi ve reddedildi. İstek ve reddi Peridot’a tekrarlandı.
Yani Whitney’deki sergi uzun zamandır bekleniyordu ve bir hazineydi. Menil Vakfı ile ortaklaşa düzenlenen (bundan sonra yayınlanacak) ve küratörlüğünü Kim Conaty ile Edouard Kopp’un üstlendiği kitap, 40’ların sonlarından 70’lere (Asawa 2013’te öldü) kadar olan dönemi vurgulayarak ipucunu erkenden alıyor ve yaratıcılığını canlı bir şekilde ortaya koyuyor. Black Mountain’ın çamaşırlarını işaretlemek için kullandığı lastik damga, bir dizi canlı baskı halinde görünüyor; Ayrıca mürekkepli yaprakların ve etkileyici mürekkepli balıkların izlenimleri de var. Asawa, 1950’lerin başından kalma canlı macenta ve turuncu patates baskısında olduğu gibi çocuklara yönelik sanat malzemelerini kullanmaktan korkmuyordu. Ancak asırlık geleneklere de bağlı değildi. Özellikle büyüleyici bazı çizimler değiştirilmiş keçeli kalemlerle yapıldı; Ucun oluk açılması her darbeyi iki katına çıkardı. 1960’ların başından kalma böyle bir çizim, çalkantılı suyun ritmini mükemmel bir şekilde yakalıyor. Keçe uçlu bir bükülmüş ağaç tahterevalli tasviri, sandalyenin hatlarını çarşafın kenarına kadar tekrarlayarak, konusu kadar dengesiz, baş döndürücü bir görüntü yaratıyor.
Bu serginin bir yansıması, 1950’lerin başlarından kalma katlanmış kağıt kabartmalardır. Asawa, origamiye dayalı bir teknik kullanarak katlanmış yüzeyleri siyah veya beyaza boyadı; geometrik desenler siz hareket ettikçe değişiyor. Harlequin pırlantalardan zikzak çizgilere ve dama tahtası desenlerine dönüşen bu parçalar, nefes kesen güçleriyle Bridget Riley’yi etkiliyor. Ayrıca önümüzdeki on yılın tekstil tasarımını öngören “Logaritmik Spiral Kareler” başlıklı iki renkli serigrafi baskı da var. Bir başka sürpriz ise, üzerine çok yapraklı bir çiçeğin konturlarının kazındığı koyu renkli bir teneke gölgedir. Bir pencerenin önündeki duvara yerleştirilen ve arkadan aydınlatılan bu ışık, serginin dramatik bir sonunu oluşturuyor.
Asawa, 1950’lerin ortalarında bir Budist rahibin vesayeti altında kaligrafi çalışmalarına geri döndü ve mürekkep ve sulu boya çizimlerine dönüşen dersleri aldı. Fırça çalışmasını nefes egzersizi ve bir tür dans olarak tanımladı. Öğrendiği disiplinli kendiliğindenlik, bir okaliptüs korusunu, bir su kütlesini veya bir avuç meyve veya çiçeği tasvir eden, hepsi harika bir şekilde parlak ve özgür olan sonraki renkli mürekkep veya sulu boya çizimlerinde açıkça görülmektedir.
Serginin sekiz tematik kategorisinden ikisi “Form İçinde Formlar” ve “Büyüme Modelleri”. Motifler arasında kesilmiş bir sekoya ağacı gövdesi ve bir hindiba başının spiral yaprakları; Heykelleri öngören veya belgeleyen çizimler de var. Sakin ve temkinli, gösterinin sinir merkezi gibi hissediyorlar. (Biri asılı versiyonda, diğeri ise tel halatlarla yıldız şeklinde duvar çalışmalarından oluşan üç heykel görebilirsiniz.)
Arkadaşları ve ailesi, Asawa’nın çizim yapmayı hiç bırakmadığını, ellerinin sürekli hareket ettiğini söylüyor. Görünüşe göre bizi ziyaret ettiklerinde durmamış. Ustaca hazırlanmış, zarif bir eskiz, fotoğrafçı Imogen Cunningham’ın incilerini parmaklarıyla oynattığını, ağzı açık ve konuştuğunu gösteriyor. Sanatçı Noah Purifoy telefonda konuşurken yakalanıyor; elini tutması dinleme yoğunluğunun bir işareti. Belki de en göz kamaştırıcı portre, oğlu Paul’un bebekken keçeli kalemle yaptığı bir çizimdir; tombul beyaz gövdesi büyük, yoğun desenli bir yorganın üzerinde neredeyse kaybolmuştu. Sağlıklı bir şekilde uyuyor ve kelimenin tam anlamıyla çizime tutulmuş gibi görünüyor.
Altı çocuğu olan çocukları okula başladıkça Asawa, sanat eğitimine giderek daha fazla dahil olmaya başladı ve 1968’de gönüllüler tarafından yürütülen bir sanat programı başlattı ve bu program 1975’te 40 okula yayıldı. Sanata olan ilgisi onun San Francisco ve ötesindeki kültürel liderlerle temas kurmasını sağladı. New York sanat dünyasının ondan çok az haber aldığı yıllarda Asawa çok meşguldü.
Zamanında, Ghirardelli Meydanı için iki denizkızının (biri bir bebeği emziren, bir arkadaşının alçılarından bir araya getirilmiş) yanı sıra deniz kaplumbağaları, nilüfer yaprakları ve kurbağaların yer aldığı 1968 bronz çeşmesi de dahil olmak üzere önemli bir kamusal sanat koleksiyonu da vardı. Buna duygusal dediğin için affedilebilirsin. San Francisco’daki bir Hyatt otelinin önündeki plaza için ikinci bir çeşme (bugünün standartlarına göre) kitle kaynaklı olarak kullanıldı. Yerel yaşamın sahneleri, Asawa’nın stüdyosunda “fırıncı kili” (un, su ve tuz) ile çalışan yaklaşık 100 amatör çiftçi tarafından şekillendirildi.
Son büyük figüratif bronz heykeli, 1994 yılında San Jose, Kaliforniya’daki Federal Binanın önünde yapılan, benzer şekilde ortaklaşa yapılan bir Japon-Amerikan tutuklama anıtıydı. Başarılı bir bahçıvan ve kararlı bir topluluk oluşturucu olan Asawa, kentsel tarımı sanat, topluluk gıda tedarikini de sanat olarak tasavvur etti. Kolektif olarak bir araya getirilmiş unsurlardan oluşan Hyatt çeşmesine değinen Erdoğan, şöyle konuştu: “Bu ülkede artık gerçek bir halk sanatı veya zanaat geleneği kalmadığı için bu tür etkinliklerin aileleri ve toplulukları bir araya getirecek şekilde yeniden yaratılması gerekiyor. ”
Asawa’nın kamusal çabaları güzel sergi kataloğunda ele alınıyor ve canlı bir biyografide daha ayrıntılı olarak inceleniyor. Marilyn Chase, Dikkat çekici bir rönesans elde etmesine yardımcı olmadılar. Değişen şey, sanatın, zanaatın ve dekoratif sanatların son derece geçirgen – belki de ihmal edilebilir – sınırlara sahip olduğuna dair yenilenen inançtır. Asawa (güvencesiz finansmana rağmen) tel heykellerini ticari olarak üretme yönündeki erken teklifi geri çevirirken, bunların Vogue’dan Domus’a kadar birçok dergide yer almasından mutlu oldu.
1960’ların elyaf sanatı hareketine ve 70’lerin el yapımı feminist sanatına olan ilginin yeniden canlanması, Asawa’nın çalışmalarının benimsediği ve pekiştirdiği bazı bağlantıları doğruluyor. Son yirmi yılda heykellerinin giderek artan ilgi görmesi, sanata dekor, tasarım ve heykel arasındaki sınırları aşan bir dönüşü yansıtıyor. Asawa’nın kağıt üzerindeki çalışmaları onun huzursuz ve önlenemez derecede cömert vizyonunun bir haritasıdır.
Ruth Asawa Hat Üzerinden
16 Eylül – 15 Ocak 2024, Whitney Amerikan Sanatı Müzesi, 99 Gansevoort Caddesi, Aşağı Manhattan; (212) 570-3600; whitney.org.
Modernist bir heykeltıraş olan Asawa, belki de yanlışlıkla, eserinin dinginliğinden ötürü övdü, iç içe geçmiş tel halkalardan zarif asılı formları muhteşem bir şekilde dokudu. Erkenden kutlanan ve daha sonra kibarca göz ardı edilen bu değerler, son on yılda giderek daha görünür hale geldi ve bunun da iyi bir nedeni var. Ancak çıktılarının yalnızca bir kısmını oluşturuyorlar. Katı form ile ince hava arasındaki arayüzü arayan Asawa, kendisini öncelikle çizime adadı ve kağıt üzerindeki çalışmaları müzedeki anlayışlı bir sergide ön plana çıkarıldı. Whitney Müzesi Cumartesi günü.
Kıvrımlı çizgi, grafik çalışmasının başlarında, 1940’ların sonlarına ait, birbirine kenetlenen dalgalardan oluşan kısa pasajların kesilmiş renkli kağıttan oluşturulduğu cazibeli bir kompozisyonda ortaya çıktı. Aynı döneme ait başka bir çizimde, siyah-kırmızı mürekkep ve grafitle, farklı boyutlardaki kıvrımlar, sanki çizgi ve form, pozitif ve negatif form dengesini ustaca tartışıyormuşçasına, metin benzeri sıralar halinde ileri geri hareket ediyor.
Çizim başından beri önemliydi. 1926’da Japon bir ailenin çocuğu olarak dünyaya geldi, Güney Kaliforniya’daki bir kamyon çiftliğinde büyüdü ve altı kardeşi gibi onlarla birlikte pazar için sebze toplayarak çalıştı. Sıkı çalışma ve geleneksel kültür çok önemliydi: Cumartesi günleri çocuklar, Asawa’nın ilk kez kaligrafi çalışmaktan keyif aldığı Japon okuluna gönderiliyorlardı. Çocukluğu, ilk olarak ailenin çoğunun zar zor dönüştürülmüş bir at ahırında (Asawa’nın babası ayrı olarak hapsedildi) ve ardından Arkansas’taki bir kampta barındırıldığı Santa Anita Yarış Pisti’nde savaş zamanı gözaltıyla etkili bir şekilde sona erdi. Zor (ve bazen de berbat) koşullar, yerleşik sıkı çalışma ve dayanıklılık alışkanlıklarını derinleştirdi. Ayrıca uykusuzluk. Görünüşe göre dünyaya karşı uyanık olmak her zaman gerekli olmuştur.
Japon karşıtı önyargı savaştan sağ kurtuldu ve Asawa’nın öğretmenlik derecesini tamamlamak için ihtiyaç duyduğu mesleki deneyimi elde etmesini engelledi. Reddedilişi bir şans eseriydi ve onun yerine eğitimine efsanevi Black Mountain College’da devam etmesine yol açtı; burada en etkili öğretmenleri Josef Albers (kendisi onun toplam on dersini almıştı) ve Buckminster Fuller’dı. Her ikisi de sınıflarında tasarım, geometri ve sanatı karıştırdılar ve her ikisi de Asawa’nın ömür boyu arkadaşı oldular. Albers’in “Sanattan bahsederken eşitlikten bahsediyordu” dediğini hatırladı ve şunları ekledi: “Sayfadaki eşitlikle ilgili görsel konuları ele alabilirsin” ya da “bunu onun hayat hakkında konuşma tarzı olarak yorumlayabilirsin.”
Riskler yüksek olduğunda pratik sıkıydı. Albers, öğrencilerini kağıt, tel ve ip gibi yaygın malzemelerle ilgilenmeye teşvik ederek, estetik eğilimi Asawa’da zaten köklü olan tutumluluk alışkanlıklarıyla birleştirdi. Birçok Buhran dönemi modernistinin ortak özellikleri olan biçimsel kemer sıkma ve pratik tutumluluk, aynı zamanda dünya çapındaki yerli zanaat geleneklerinde de yaygın bir uygulamadır. Her ikisinden de etkilenen Asawa, Meksika’ya ikinci seyahatini Black Mountain’da bir yaz tatili sırasında yaptı ve yerel zanaatkarlardan tel sepet örmeyi öğrendi. Döndükten sonra heykel tekniğine yöneldi.
Asawa, Black Mountain’da tanıştığı mimar kocası Alfred Lanier ile 1940’ların sonlarında San Francisco’ya yerleşti ve tel heykelleri için iç tasarımcıların ve sanat tacirlerinin beğenisini kazandı. 1950’lerin başlarında heykeli New York’ta Peridot Galerisi’nde de sergilendi; burada galerideki meslektaşları arasında Louise Bourgeois ve Constantin Brancusi; Onun belirsiz, totemik çalışmasının Asawa’nınkiyle bir akrabalığı vardı. Ama çizimleriyle ilerlemek için can atıyordu. Sık sık “Tel ile çalışmak çizime olan ilgimden doğdu” diye vurguladı. 1959’da San Francisco’daki de Young Müzesi’nde kendisine bir sergi teklif edildiğinde, yalnızca grafik çalışmalarına odaklanmasını istedi ve reddedildi. İstek ve reddi Peridot’a tekrarlandı.
Yani Whitney’deki sergi uzun zamandır bekleniyordu ve bir hazineydi. Menil Vakfı ile ortaklaşa düzenlenen (bundan sonra yayınlanacak) ve küratörlüğünü Kim Conaty ile Edouard Kopp’un üstlendiği kitap, 40’ların sonlarından 70’lere (Asawa 2013’te öldü) kadar olan dönemi vurgulayarak ipucunu erkenden alıyor ve yaratıcılığını canlı bir şekilde ortaya koyuyor. Black Mountain’ın çamaşırlarını işaretlemek için kullandığı lastik damga, bir dizi canlı baskı halinde görünüyor; Ayrıca mürekkepli yaprakların ve etkileyici mürekkepli balıkların izlenimleri de var. Asawa, 1950’lerin başından kalma canlı macenta ve turuncu patates baskısında olduğu gibi çocuklara yönelik sanat malzemelerini kullanmaktan korkmuyordu. Ancak asırlık geleneklere de bağlı değildi. Özellikle büyüleyici bazı çizimler değiştirilmiş keçeli kalemlerle yapıldı; Ucun oluk açılması her darbeyi iki katına çıkardı. 1960’ların başından kalma böyle bir çizim, çalkantılı suyun ritmini mükemmel bir şekilde yakalıyor. Keçe uçlu bir bükülmüş ağaç tahterevalli tasviri, sandalyenin hatlarını çarşafın kenarına kadar tekrarlayarak, konusu kadar dengesiz, baş döndürücü bir görüntü yaratıyor.
Bu serginin bir yansıması, 1950’lerin başlarından kalma katlanmış kağıt kabartmalardır. Asawa, origamiye dayalı bir teknik kullanarak katlanmış yüzeyleri siyah veya beyaza boyadı; geometrik desenler siz hareket ettikçe değişiyor. Harlequin pırlantalardan zikzak çizgilere ve dama tahtası desenlerine dönüşen bu parçalar, nefes kesen güçleriyle Bridget Riley’yi etkiliyor. Ayrıca önümüzdeki on yılın tekstil tasarımını öngören “Logaritmik Spiral Kareler” başlıklı iki renkli serigrafi baskı da var. Bir başka sürpriz ise, üzerine çok yapraklı bir çiçeğin konturlarının kazındığı koyu renkli bir teneke gölgedir. Bir pencerenin önündeki duvara yerleştirilen ve arkadan aydınlatılan bu ışık, serginin dramatik bir sonunu oluşturuyor.
Asawa, 1950’lerin ortalarında bir Budist rahibin vesayeti altında kaligrafi çalışmalarına geri döndü ve mürekkep ve sulu boya çizimlerine dönüşen dersleri aldı. Fırça çalışmasını nefes egzersizi ve bir tür dans olarak tanımladı. Öğrendiği disiplinli kendiliğindenlik, bir okaliptüs korusunu, bir su kütlesini veya bir avuç meyve veya çiçeği tasvir eden, hepsi harika bir şekilde parlak ve özgür olan sonraki renkli mürekkep veya sulu boya çizimlerinde açıkça görülmektedir.
Serginin sekiz tematik kategorisinden ikisi “Form İçinde Formlar” ve “Büyüme Modelleri”. Motifler arasında kesilmiş bir sekoya ağacı gövdesi ve bir hindiba başının spiral yaprakları; Heykelleri öngören veya belgeleyen çizimler de var. Sakin ve temkinli, gösterinin sinir merkezi gibi hissediyorlar. (Biri asılı versiyonda, diğeri ise tel halatlarla yıldız şeklinde duvar çalışmalarından oluşan üç heykel görebilirsiniz.)
Arkadaşları ve ailesi, Asawa’nın çizim yapmayı hiç bırakmadığını, ellerinin sürekli hareket ettiğini söylüyor. Görünüşe göre bizi ziyaret ettiklerinde durmamış. Ustaca hazırlanmış, zarif bir eskiz, fotoğrafçı Imogen Cunningham’ın incilerini parmaklarıyla oynattığını, ağzı açık ve konuştuğunu gösteriyor. Sanatçı Noah Purifoy telefonda konuşurken yakalanıyor; elini tutması dinleme yoğunluğunun bir işareti. Belki de en göz kamaştırıcı portre, oğlu Paul’un bebekken keçeli kalemle yaptığı bir çizimdir; tombul beyaz gövdesi büyük, yoğun desenli bir yorganın üzerinde neredeyse kaybolmuştu. Sağlıklı bir şekilde uyuyor ve kelimenin tam anlamıyla çizime tutulmuş gibi görünüyor.
Altı çocuğu olan çocukları okula başladıkça Asawa, sanat eğitimine giderek daha fazla dahil olmaya başladı ve 1968’de gönüllüler tarafından yürütülen bir sanat programı başlattı ve bu program 1975’te 40 okula yayıldı. Sanata olan ilgisi onun San Francisco ve ötesindeki kültürel liderlerle temas kurmasını sağladı. New York sanat dünyasının ondan çok az haber aldığı yıllarda Asawa çok meşguldü.
Zamanında, Ghirardelli Meydanı için iki denizkızının (biri bir bebeği emziren, bir arkadaşının alçılarından bir araya getirilmiş) yanı sıra deniz kaplumbağaları, nilüfer yaprakları ve kurbağaların yer aldığı 1968 bronz çeşmesi de dahil olmak üzere önemli bir kamusal sanat koleksiyonu da vardı. Buna duygusal dediğin için affedilebilirsin. San Francisco’daki bir Hyatt otelinin önündeki plaza için ikinci bir çeşme (bugünün standartlarına göre) kitle kaynaklı olarak kullanıldı. Yerel yaşamın sahneleri, Asawa’nın stüdyosunda “fırıncı kili” (un, su ve tuz) ile çalışan yaklaşık 100 amatör çiftçi tarafından şekillendirildi.
Son büyük figüratif bronz heykeli, 1994 yılında San Jose, Kaliforniya’daki Federal Binanın önünde yapılan, benzer şekilde ortaklaşa yapılan bir Japon-Amerikan tutuklama anıtıydı. Başarılı bir bahçıvan ve kararlı bir topluluk oluşturucu olan Asawa, kentsel tarımı sanat, topluluk gıda tedarikini de sanat olarak tasavvur etti. Kolektif olarak bir araya getirilmiş unsurlardan oluşan Hyatt çeşmesine değinen Erdoğan, şöyle konuştu: “Bu ülkede artık gerçek bir halk sanatı veya zanaat geleneği kalmadığı için bu tür etkinliklerin aileleri ve toplulukları bir araya getirecek şekilde yeniden yaratılması gerekiyor. ”
Asawa’nın kamusal çabaları güzel sergi kataloğunda ele alınıyor ve canlı bir biyografide daha ayrıntılı olarak inceleniyor. Marilyn Chase, Dikkat çekici bir rönesans elde etmesine yardımcı olmadılar. Değişen şey, sanatın, zanaatın ve dekoratif sanatların son derece geçirgen – belki de ihmal edilebilir – sınırlara sahip olduğuna dair yenilenen inançtır. Asawa (güvencesiz finansmana rağmen) tel heykellerini ticari olarak üretme yönündeki erken teklifi geri çevirirken, bunların Vogue’dan Domus’a kadar birçok dergide yer almasından mutlu oldu.
1960’ların elyaf sanatı hareketine ve 70’lerin el yapımı feminist sanatına olan ilginin yeniden canlanması, Asawa’nın çalışmalarının benimsediği ve pekiştirdiği bazı bağlantıları doğruluyor. Son yirmi yılda heykellerinin giderek artan ilgi görmesi, sanata dekor, tasarım ve heykel arasındaki sınırları aşan bir dönüşü yansıtıyor. Asawa’nın kağıt üzerindeki çalışmaları onun huzursuz ve önlenemez derecede cömert vizyonunun bir haritasıdır.
Ruth Asawa Hat Üzerinden
16 Eylül – 15 Ocak 2024, Whitney Amerikan Sanatı Müzesi, 99 Gansevoort Caddesi, Aşağı Manhattan; (212) 570-3600; whitney.org.